Mike Mainieri • Man Behind Bars

 

Primarily recognized as an award-winning, jazz vibraphonist, Mike Mainieri’s equally remarkable talents as producer, arranger, and composer have contributed to shaping the cutting-edge in music. Throughout his fruitful career—now spanning almost five decades—Mike has collaborated with the world’s most formidable jazz player’s produced numerous albums, and discovered a host of innovative, young talent.

Raised in a family of performers and musicians, Mike’s training began early. At the age of 14, his own jazz trio was touring with the PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, and by 17 he was playing and arranging for Buddy Rich’s sextet- -a tenure which continued up until 1962. During this period, he also played with such legendary artists as Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins and Wes Montgomery, and at the age of 18 he won the International Jazz Critic’s Award.

As a solo artist, Mike has created and contributed to countless, visionary artistic endeavors. In 1962, he joined the ground-breaking jazz/rock group JEREMY & THE SATYRS led by flutist Jeremy Steig. Along with Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery, and Eddie Gomez, THE SATYRS jammed at New York’s Club Go Go, and performed with such monumental figures as Frank Zappa, Richie Havens and Jimi Hendrix. During the late 60’s, this small circle of performers grew into what became known as the WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, a 20-piece, all- star, experimental ensemble. The group featured George Young, Frank Vacari, Michael Brecker, and Ronny Cuber —saxes; Jon Faddis, Lew Soloff, and Randy Brecker—trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson—trombones; as well as, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza, and Hugh McCraken in the rhythm section. Under Mike’s direction, this jazz/rock big band evolved into a laboratory for experimentation with various musical forms, ideas, and philosophies. From 1969-1972, the WHITE ELEPHANT clan of New York’s finest musicians jammed, and recorded at studios throughout the city, and its energy spawned many musical directions for the decades to follow, including DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L’IMAGES, etc.

During the late 70’s, Mike founded the pioneering jazz/ fusion groups STEPS AHEAD, which included previous cohorts Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd and Don Grolnick. Delving into contemporary sounds while maintaining experimentation and compositional integrity, STEPS AHEAD was, and is, a launching-pad for young talent and new musical ideas. STEPS Alumni include Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern and Jimi Tunnel. Other noteworthy collaborations have included recordings with Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell, and Jim Hall, just to name a few.

As a composer, arranger, and performer, Mike has contributed to over 100 gold and platinum albums. An active participant in the rock and pop scenes, he’s worked with Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits, and Bonnie Raitt. He’s Produced albums for George Benson and Andy Summers, and STEPS AHEAD Alumni, Norweigan saxophonist Bendik, and pianist Rachel Z.

In 1992, Mike brought to bear his vast experience with the creation of NYC RECORDS. An extension of himself, the independent label is a vehicle for exposing new ideas grounded in the jazz idiom. With the hip, fresh sounds of Zachary Breaux and Rachel Z; saxophonists George Garzone and Myron Walden; the eclectic, musical cacophony of Philip DeGruy's solo guitar; and Mike’s own projects Mike Mainieri, AN AMERICAN DIARY series—featuring Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez, and Peter Erskine—and the ever evolving STEPS AHEAD group.
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Principalmente reconocido como un vibrafonista de jazz ganador de premios, los talentos igualmente notables de Mike Mainieri como productor, arreglista y compositor han contribuido a dar forma a la vanguardia de la música. A lo largo de su fructífera carrera -que ahora abarca casi cinco décadas-, Mike ha colaborado con el músico de jazz más formidable del mundo en la producción de numerosos álbumes, y ha descubierto un sinfín de talentos jóvenes e innovadores.

Criado en una familia de intérpretes y músicos, el entrenamiento de Mike comenzó temprano. A la edad de 14 años, su propio trío de jazz estaba de gira con la PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, y a los 17 años tocaba y arreglaba para el sexteto de Buddy Rich, un cargo que duró hasta 1962. Durante este período, también tocó con artistas legendarios como Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins y Wes Montgomery, y a la edad de 18 años ganó el Premio Internacional de la Crítica de Jazz.

Como solista, Mike ha creado y contribuido a innumerables y visionarios esfuerzos artísticos. En 1962, se unió al innovador grupo de jazz/rock JEREMY & THE SATYRS dirigido por el flautista Jeremy Steig. Junto con Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery y Eddie Gómez, THE SATYRS tocaron en el Club Go Go Go de Nueva York, y actuaron con figuras tan monumentales como Frank Zappa, Richie Havens y Jimi Hendrix. A finales de los años 60, este pequeño círculo de intérpretes se convirtió en lo que se conoció como la WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, un conjunto experimental de 20 piezas y estrellas. El grupo incluyó a George Young, Frank Vacari, Michael Brecker y Ronny Cuber -saxes; Jon Faddis, Lew Soloff y Randy Brecker-trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson-trombones; así como, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza y Hugh McCraken en la sección de ritmo. Bajo la dirección de Mike, esta big band de jazz/rock se convirtió en un laboratorio para la experimentación con varias formas musicales, ideas y filosofías. De 1969 a 1972, el clan WHITE ELEPHANT de los mejores músicos de Nueva York tocó y grabó en estudios de toda la ciudad, y su energía generó muchas direcciones musicales durante las décadas siguientes, incluyendo DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L'IMAGES, etc.

A finales de los años 70, Mike fundó los grupos pioneros de jazz/fusión STEPS AHEAD, entre los que se encontraban las cohortes anteriores Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd y Don Grolnick. Sumergiéndose en sonidos contemporáneos mientras mantiene la experimentación y la integridad compositiva, STEPS AHEAD fue, y es, una plataforma de lanzamiento para jóvenes talentos y nuevas ideas musicales. Los alumnos de STEPS incluyen a Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern y Jimi Tunnel. Otras colaboraciones notables han incluido grabaciones con Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell y Jim Hall, entre otros.

Como compositor, arreglista e intérprete, Mike ha contribuido con más de 100 discos de oro y platino. Un participante activo en las escenas de rock y pop, ha trabajado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits y Bonnie Raitt. Ha producido álbumes para George Benson y Andy Summers, y STEPS AHEAD Alumni, el saxofonista Norweigan Bendik, y la pianista Rachel Z.

En 1992, Mike aportó su vasta experiencia en la creación de NYC RECORDS. Una extensión de sí mismo, el sello independiente es un vehículo para exponer nuevas ideas basadas en el lenguaje del jazz. Con los sonidos frescos y modernos de Zachary Breaux y Rachel Z; los saxofonistas George Garzone y Myron Walden; la ecléctica y musical cacofonía de la guitarra solista de Philip DeGruy; y los propios proyectos de Mike Mike Mainieri, la serie AN AMERICAN DIARY (Un Diario Americano), con Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez y Peter Erskine, y el siempre en evolución grupo STEPS AHEAD.
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Mike Mainieri & Marnix Busstra Quartet • Twelve Pieces

 

Kenny Burrell • A Generation Ago Today

 

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

Pat Martino • Starbright

 

Biograph:

When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.

One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.

Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang

. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”

He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.

Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.

Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.

Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”

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Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100



Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.

Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".

En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.

Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang

. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."

Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.

Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.

Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.

Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.

En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.

Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
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Mike Mainieri • Crescent

 

 

Nearly forty-five years after the death of John Coltrane, jazz players still feel compelled to negotiate his music - Young cats wrestle with the harmonic complexities and attempt to conquer the saxophonist icon's mighty energy - Luckily, players like vibraphonist Mike Mainieri and saxophonist Charlie Mariano have made peace with the legend - Their document, in this two-disc set, is a fitting tribute to both the music of Coltrane and Mariano, for this was to be one of his last recordings before passing away in 2009.

Mainieri and longtime friend Mariano conceived and recorded this session with bassist Dieter Ilg in 2005 - Mariano, a bebop protege in the 1950s, would play with Stan Kenton, Toshiko Akiyoshi and Charles Mingus, before exploring fusion and Indian music - Like Coltrane, his graduation from bebop was one into the possibilities of a universal sound.

Mainieri played with Buddy Rich, Dizzy Gillespie, and Wes Montgomery - His prestige was earned as founder of Steps Ahead, with Michael Brecker—a unique and innovative fusion band - Later he turned producer and label chief with NYC Records, releasing Twelve Pieces (NYC, 2009) with guitarist Marnix Busstra's quartet.

Crescent covers half Coltrane originals and half music identified with Trane's career - With a relaxed command of the material, the pair trades brief solos throughout, smiling at the unclenched amity of the meeting - Even a song like "Giant Steps" receives the chilled-out treatment - The bass line opening gives way to an almost tension-less rendition - Like the 1959 original, the pair makes the complex seem effortless, Mainieri and Mariano's familiarity breeding respect - Whether levitating on the title track or gliding with the beautiful "Naima," the pair makes captivating and heavenly music.
Like Coltrane's music, it isn't critical they cover only his originals - The six other tracks are tunes widely associated with Trane, plus an affectionate cover of "America." Playing Cole Porter's "I Love You," Jimmy Van Heusen's "Like Someone In Love," and Ray Henderson's "Bye Bye Blackbird" the pair (with Ilg as steady companion) opt for a gentle swing and nodding "how do you do." All grippingly beautiful, Crescent is a sumptuous recording.
By Mark Corroto
July 30, 2010
https://www.allaboutjazz.com/crescent-mike-mainieri-nyc-records-review-by-mark-corroto

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Casi cuarenta y cinco años después de la muerte de John Coltrane, los jazzistas siguen sintiéndose obligados a negociar su música - Los jóvenes luchan con las complejidades armónicas e intentan conquistar la poderosa energía del icono del saxofón - Por suerte, músicos como el vibrafonista Mike Mainieri y el saxofonista Charlie Mariano han hecho las paces con la leyenda - Su documento, en este conjunto de dos discos, es un merecido homenaje tanto a la música de Coltrane como a Mariano, ya que ésta iba a ser una de sus últimas grabaciones antes de fallecer en 2009.

Mainieri y su viejo amigo Mariano concibieron y grabaron esta sesión con el bajista Dieter Ilg en 2005 - Mariano, protegido del bebop en los años 50, tocaría con Stan Kenton, Toshiko Akiyoshi y Charles Mingus, antes de explorar la fusión y la música india - Al igual que Coltrane, su graduación del bebop fue hacia las posibilidades de un sonido universal.

Mainieri tocó con Buddy Rich, Dizzy Gillespie y Wes Montgomery - Su prestigio se lo ganó como fundador de Steps Ahead, con Michael Brecker, una banda de fusión única e innovadora - Más tarde se convirtió en productor y jefe de sello con NYC Records, publicando Twelve Pieces (NYC, 2009) con el cuarteto del guitarrista Marnix Busstra.

Crescent versiona mitad originales de Coltrane y mitad música identificada con la carrera de Trane - Con un dominio relajado del material, la pareja intercambia breves solos a lo largo de todo el disco, sonriendo por la amistad desenvuelta del encuentro - Incluso una canción como "Giant Steps" recibe un tratamiento relajado - La línea de bajo inicial da paso a una interpretación casi sin tensión - Al igual que el original de 1959, la pareja hace que lo complejo parezca sencillo, y la familiaridad de Mainieri y Mariano genera respeto - Ya sea levitando en la canción que da título al disco o deslizándose con la hermosa "Naima", la pareja hace una música cautivadora y celestial.

Al igual que en la música de Coltrane, no es crítico que versionen sólo sus originales - Los otros seis temas son melodías ampliamente asociadas con Trane, además de una cariñosa versión de "America" - Tocando "I Love You" de Cole Porter, "Like Someone In Love" de Jimmy Van Heusen y "Bye Bye Blackbird" de Ray Henderson, la pareja (con Ilg como firme acompañante) opta por un suave swing y un asintiente "how do you do" - Con una belleza apasionante, Crescent es una grabación suntuosa.
Por Mark Corroto
30 de julio de 2010
https://www.allaboutjazz.com/crescent-mike-mainieri-nyc-records-review-by-mark-corroto

nycrecords.com ...

Kazumi Watanabe • ONE for ALL

 

Biography
by Matt Collar
A technically adept guitarist with a dynamic, highly inventive, jazz fusion-based sound, Kazumi Watanabe is one of Japan's most prolific and recognizable instrumentalists. Although primarily focused on jazz, Watanabe has left his mark on such varied genres as hard rock, electronic pop, and ambient classical music. Since debuting in the '70s, the early prodigy has built an impressive body of work with numerous solo projects and collaborations with such luminaries as Ryuichi Sakamoto, Mike Mainieri, Bill Bruford, and many more.

Born in Tokyo in 1953, Watanabe became interested in music at a young age, starting out on the piano at age seven. However, by age 12 he had picked up a guitar, inspired by the twangy electric surf rock of the Ventures and, later, the warm and soulful jazz of Wes Montgomery. Although naturally gifted and largely hailed as a prodigy, he did study for a time with Sadanori Nakamure at the Yamaha Music School in Tokyo. At age 17, Watanabe made his recorded debut with 1971's Infinite, a sprawling set of edgy modal jazz.

He then signed with Columbia and delivered a handful of highly regarded efforts including 1974's Endless Way, 1977's Lonesome Cat, and 1977's Olive's Step, all of which found him embracing a bold crossover jazz and rock sound. His 1978 album, Mermaid Boulevard, further solidified his fusion star status with an all-star lineup featuring Lee Ritenour, Ernie Watts, Patrice Rushen, Harvey Mason, and others. He also toured often during this period, appearing with many of Japan's top performers including Sadao Watanabe, Isao Suzuki, Masaru Imada, and others.

Watanabe closed out the '70s with formation of the landmark fusion and pop outfit Kylyn alongside legendary keyboardist Ryuichi Sakamoto. Together, they released such well-received efforts as Kylyn and Kylyn Live. The guitarist also contributed to Sakamoto's 1978 solo debut, Thousand Knives, and toured with the keyboardist's electronic outfit Yellow Magic Orchestra. The pair's work together was compiled for 1978's Tokyo Joe, which was re-released outside of Japan in the early '80s.

The '80s continued to prove a fruitful period for the guitarist, who issued the hugely successful fusion effort To Chi Ka in 1980, featuring vibraphonist Mike Mainieri, pianist Kenny Kirkland, bassists Marcus Miller and Tony Levin, drummer Peter Erskine, and guest saxophonist Michael Brecker. A year later he delivered Dogatana, which revealed his growing interest in the acoustic guitar. Also during this period, he toured with the Brecker Brothers and Jaco Pastorius, and recorded with Mainieri's Steps Ahead and saxophonist Sadao Watanabe.

In 1983, he founded the genre-bending fusion and rock outfit Mobo with pianist Ichiko Hashimoto, guitarist Gregg Lee, saxophonist Mitsuru Sawamura, and drummers Shuichi Murakami and Kiyohiko Senba. The group debuted with Mobo, Vol. 1, followed by a handful of influential efforts including 1983's Mobo Club and 1985's Mobo Splash. He then paired with bassist Jeff Berlin and Yes drummer Bill Bruford for 1987's The Spice of Life and 1988's The Spice of Life Too. Watanabe capped the decade with his solo effort Kilowatt, which featured guest spots from saxophonist Wayne Shorter, percussionist Alex Acuña, and keyboardist Patrick Moraz.

Having established himself as one of the world's preeminent electric fusion guitarists, Watanabe began gravitating toward acoustic music, a sound he explored on 1990's Ganesia. He also played numerous live acoustic shows duetting with guitarists like Babik Reinhardt, Ralph Towner, Tonino Horta, and others. Nonetheless, he remained a vital force in electric fusion with his Resonance Vox outfit, delivering albums like 1992's Pandora, 1996's Romanesque, and 1999's Jigojitoku. In 1999, he reunited with longtime associates vibraphonist Mainieri, bassist John Patitucci, guitarist Larry Coryell, keyboardist Akiko Yano, and drummer Mino Cinelu for the live album One for All.

He also continued to expand his palette, touring with the 32-member Asian Fantasy Orchestra, and exploring new formats, as on his first solo guitar album, 2003's Guitar Renaissance. That same year, he joined bassist Richard Bona and drummer Horacio "El Negro" Hernández in the New Electric Trio with 'Mo Bop. Also around this time, he celebrated 30 years as a guitarist with the Infinite Beyond suite, which was released on album in 2006. A year later, he collaborated with pianist and longtime partner Koko Tanikawa on the environmentally conscious album Castle in the Air. He then paired with vocalist Minako Yoshida for a set of intimate acoustic covers on 2008's Nowadays. He also launched the Asian Super Guitar Project during this period, featuring guitarists from Korea and Hong Kong on the album Guitar Sam Guk Ji.

Along with recording, Watanabe remains an active live performer with regular appearances in Japan and around the world. In 2010, he reunited with Mainieri, Marcus Miller, pianist Warren Bernhardt, and drummer Omar Hakim for To Chi Ka 2010 at the Tokyo Jazz Festival. The concert album Live at the Iridium appeared in 2012, followed by Lotus Night with Mainieri and Bernhardt in 2016. In 2017, Watanabe delivered the orchestral album Tokyo Wanderer.
https://www.allmusic.com/artist/kazumi-watanabe-mn0000369869/biography

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Biografía
por Matt Collar
Kazumi Watanabe, un guitarrista técnicamente experto con un sonido dinámico y altamente inventivo basado en la fusión de jazz, es uno de los instrumentistas japoneses más prolíficos y reconocidos. Aunque centrado principalmente en el jazz, Watanabe ha dejado su impronta en géneros tan variados como el rock duro, el pop electrónico y la música clásica ambiental. Desde su debut en los años 70, este prodigio precoz ha construido una impresionante obra con numerosos proyectos en solitario y colaboraciones con luminarias de la talla de Ryuichi Sakamoto, Mike Mainieri, Bill Bruford y muchos más.

Nacido en Tokio en 1953, Watanabe comenzó a interesarse por la música a una edad temprana, iniciándose en el piano a los siete años. A los 12 ya había cogido la guitarra, inspirado por el surf rock eléctrico de los Ventures y, más tarde, por el jazz cálido y conmovedor de Wes Montgomery. Aunque dotado por naturaleza y considerado un prodigio, estudió durante un tiempo con Sadanori Nakamure en la Escuela de Música Yamaha de Tokio. A los 17 años, Watanabe hizo su debut discográfico con Infinite, de 1971, un extenso conjunto de jazz modal de vanguardia.

A continuación firmó con Columbia y publicó un puñado de álbumes de gran prestigio, como Endless Way (1974), Lonesome Cat (1977) y Olive's Step (1977), en los que adoptó un audaz cruce de jazz y rock. Su álbum de 1978, Mermaid Boulevard, consolidó aún más su estatus de estrella de la fusión con una formación de estrellas que incluía a Lee Ritenour, Ernie Watts, Patrice Rushen, Harvey Mason y otros. También realizó numerosas giras durante este periodo, actuando con muchos de los mejores artistas japoneses, como Sadao Watanabe, Isao Suzuki, Masaru Imada y otros.

Watanabe cerró la década de los 70 con la formación del histórico grupo de fusión y pop Kylyn, junto al legendario teclista Ryuichi Sakamoto. Juntos publicaron trabajos tan bien recibidos como Kylyn y Kylyn Live. El guitarrista también colaboró en el debut en solitario de Sakamoto en 1978, Thousand Knives, y realizó giras con el grupo electrónico del teclista, Yellow Magic Orchestra. El trabajo conjunto de ambos se recopiló en Tokyo Joe, de 1978, que se reeditó fuera de Japón a principios de los 80.

Los 80 siguieron siendo un periodo fructífero para el guitarrista, que publicó el exitoso álbum de fusión To Chi Ka en 1980, con el vibrafonista Mike Mainieri, el pianista Kenny Kirkland, los bajistas Marcus Miller y Tony Levin, el batería Peter Erskine y el saxofonista invitado Michael Brecker. Un año más tarde publicó Dogatana, que revelaba su creciente interés por la guitarra acústica. También durante este periodo, realizó giras con los Brecker Brothers y Jaco Pastorius, y grabó con Steps Ahead de Mainieri y el saxofonista Sadao Watanabe.

En 1983 fundó el grupo de fusión y rock Mobo con el pianista Ichiko Hashimoto, el guitarrista Gregg Lee, el saxofonista Mitsuru Sawamura y los baterías Shuichi Murakami y Kiyohiko Senba. El grupo debutó con Mobo, Vol. 1, al que siguieron varios trabajos influyentes, como Mobo Club, de 1983, y Mobo Splash, de 1985. Luego formó pareja con el bajista Jeff Berlin y el batería de Yes Bill Bruford para The Spice of Life, de 1987, y The Spice of Life Too, de 1988. Watanabe cerró la década con su disco en solitario Kilowatt, que contó con la participación del saxofonista Wayne Shorter, el percusionista Alex Acuña y el teclista Patrick Moraz.

Tras establecerse como uno de los guitarristas de fusión eléctrica más destacados del mundo, Watanabe empezó a inclinarse por la música acústica, un sonido que exploró en Ganesia, de 1990. También tocó en numerosos conciertos acústicos a dúo con guitarristas como Babik Reinhardt, Ralph Towner y Tonino Horta, entre otros. Sin embargo, siguió siendo una fuerza vital en la fusión eléctrica con su grupo Resonance Vox, con álbumes como Pandora (1992), Romanesque (1996) y Jigojitoku (1999). En 1999, se reunió con Mainieri (vibrafonista), John Patitucci (bajista), Larry Coryell (guitarrista), Akiko Yano (teclista) y Mino Cinelu (batería) para el álbum en directo One for All.

También siguió ampliando su paleta, realizando giras con la Asian Fantasy Orchestra, formada por 32 miembros, y explorando nuevos formatos, como en su primer álbum de guitarra en solitario, Guitar Renaissance, de 2003. Ese mismo año se unió al bajista Richard Bona y al batería Horacio "El Negro" Hernández en el New Electric Trio con 'Mo Bop. También por esas fechas, celebró sus 30 años como guitarrista con la suite Infinite Beyond, que se publicó en álbum en 2006. Un año más tarde, colaboró con la pianista y compañera de muchos años Koko Tanikawa en el álbum Castle in the Air, con conciencia medioambiental. Luego se asoció con la vocalista Minako Yoshida para una serie de íntimas versiones acústicas en Nowadays, de 2008. También lanzó el Asian Super Guitar Project durante este periodo, con guitarristas de Corea y Hong Kong en el álbum Guitar Sam Guk Ji.

Además de grabar, Watanabe sigue actuando en directo con regularidad en Japón y en todo el mundo. En 2010, se reunió con Mainieri, Marcus Miller, el pianista Warren Bernhardt y el batería Omar Hakim para To Chi Ka 2010 en el Festival de Jazz de Tokio. El álbum de conciertos Live at the Iridium apareció en 2012, seguido de Lotus Night con Mainieri y Bernhardt en 2016. En 2017, Watanabe entregó el álbum orquestal Tokyo Wanderer.
https://www.allmusic.com/artist/kazumi-watanabe-mn0000369869/biography

www.kazumiwatanabe.net ...

Billy Cobham • Simplicity Of Expression, Depth Of Thought

 

Review by Robert Taylor
Along with the little known B.C., this is Billy Cobham's most disappointing recordings of the '70s. Like fellow fusion/drumming legends Alphonse Mouzon and Lenny White, Cobham gradually migrated toward disco/funk. His brand of this music sounds worse than most because he continues the propulsive drum style, making for an unbalanced approach. "Bolinas" and "Pocket Change" are embarrassing, but all is not lost as "La Guernica" is a burner. As the so-called death of fusion was fast approaching, Cobham was at a crossroads in his career.
https://www.allmusic.com/album/simplicity-of-expression-depth-of-thought-mw0000873979

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Reseña de Robert Taylor
Junto con el poco conocido B. C., estas son las grabaciones más decepcionantes de Billy Cobham de los años 70. Al igual que las leyendas de la fusión/batería Alphonse Mouzon y Lenny White, Cobham migró gradualmente hacia el disco / funk. Su estilo de esta música suena peor que la mayoría porque continúa con el estilo de batería propulsora, lo que genera un enfoque desequilibrado. "Bolinas" y "Cambio de bolsillo" son vergonzosos, pero no todo está perdido ya que "La Guernica" es un incandescente. A medida que se acercaba rápidamente la llamada muerte de la fusión, Cobham se encontraba en una encrucijada en su carrera.
https://www.allmusic.com/album/simplicity-of-expression-depth-of-thought-mw0000873979

www.billycobham.com ...

Mike Mainieri • Northern Lights

 

Primarily recognized as an award-winning, jazz vibraphonist, Mike Mainieri’s equally remarkable talents as producer, arranger, and composer have contributed to shaping the cutting-edge in music. Throughout his fruitful career—now spanning almost five decades—Mike has collaborated with the world’s most formidable jazz player’s produced numerous albums, and discovered a host of innovative, young talent.

Raised in a family of performers and musicians, Mike’s training began early. At the age of 14, his own jazz trio was touring with the PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, and by 17 he was playing and arranging for Buddy Rich’s sextet- -a tenure which continued up until 1962. During this period, he also played with such legendary artists as Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins and Wes Montgomery, and at the age of 18 he won the International Jazz Critic’s Award.

As a solo artist, Mike has created and contributed to countless, visionary artistic endeavors. In 1962, he joined the ground-breaking jazz/rock group JEREMY & THE SATYRS led by flutist Jeremy Steig. Along with Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery, and Eddie Gomez, THE SATYRS jammed at New York’s Club Go Go, and performed with such monumental figures as Frank Zappa, Richie Havens and Jimi Hendrix. During the late 60’s, this small circle of performers grew into what became known as the WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, a 20-piece, all- star, experimental ensemble. The group featured George Young, Frank Vacari, Michael Brecker, and Ronny Cuber —saxes; Jon Faddis, Lew Soloff, and Randy Brecker—trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson—trombones; as well as, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza, and Hugh McCraken in the rhythm section. Under Mike’s direction, this jazz/rock big band evolved into a laboratory for experimentation with various musical forms, ideas, and philosophies. From 1969-1972, the WHITE ELEPHANT clan of New York’s finest musicians jammed, and recorded at studios throughout the city, and its energy spawned many musical directions for the decades to follow, including DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L’IMAGES, etc.

During the late 70’s, Mike founded the pioneering jazz/ fusion groups STEPS AHEAD, which included previous cohorts Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd and Don Grolnick. Delving into contemporary sounds while maintaining experimentation and compositional integrity, STEPS AHEAD was, and is, a launching-pad for young talent and new musical ideas. STEPS Alumni include Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern and Jimi Tunnel. Other noteworthy collaborations have included recordings with Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell, and Jim Hall, just to name a few.

As a composer, arranger, and performer, Mike has contributed to over 100 gold and platinum albums. An active participant in the rock and pop scenes, he’s worked with Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits, and Bonnie Raitt. He’s Produced albums for George Benson and Andy Summers, and STEPS AHEAD Alumni, Norweigan saxophonist Bendik, and pianist Rachel Z.

In 1992, Mike brought to bear his vast experience with the creation of NYC RECORDS. An extension of himself, the independent label is a vehicle for exposing new ideas grounded in the jazz idiom. With the hip, fresh sounds of Zachary Breaux and Rachel Z; saxophonists George Garzone and Myron Walden; the eclectic, musical cacophony of Philip DeGruy's solo guitar; and Mike’s own projects Mike Mainieri, AN AMERICAN DIARY series—featuring Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez, and Peter Erskine—and the ever evolving STEPS AHEAD group.
https://musicians.allaboutjazz.com/mikemainieri

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Principalmente reconocido como un vibrafonista de jazz ganador de premios, los talentos igualmente notables de Mike Mainieri como productor, arreglista y compositor han contribuido a dar forma a la vanguardia de la música. A lo largo de su fructífera carrera -que ahora abarca casi cinco décadas-, Mike ha colaborado con el músico de jazz más formidable del mundo en la producción de numerosos álbumes, y ha descubierto un sinfín de talentos jóvenes e innovadores.

Criado en una familia de intérpretes y músicos, el entrenamiento de Mike comenzó temprano. A la edad de 14 años, su propio trío de jazz estaba de gira con la PAUL WHITEMAN ORCHESTRA, y a los 17 años tocaba y arreglaba para el sexteto de Buddy Rich, un cargo que duró hasta 1962. Durante este período, también tocó con artistas legendarios como Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins y Wes Montgomery, y a la edad de 18 años ganó el Premio Internacional de la Crítica de Jazz.

Como solista, Mike ha creado y contribuido a innumerables y visionarios esfuerzos artísticos. En 1962, se unió al innovador grupo de jazz/rock JEREMY & THE SATYRS dirigido por el flautista Jeremy Steig. Junto con Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery y Eddie Gómez, THE SATYRS tocaron en el Club Go Go Go de Nueva York, y actuaron con figuras tan monumentales como Frank Zappa, Richie Havens y Jimi Hendrix. A finales de los años 60, este pequeño círculo de intérpretes se convirtió en lo que se conoció como la WHITE ELEPHANT ORCHESTRA, un conjunto experimental de 20 piezas y estrellas. El grupo incluyó a George Young, Frank Vacari, Michael Brecker y Ronny Cuber -saxes; Jon Faddis, Lew Soloff y Randy Brecker-trumpets; Barry Rogers, Jon Pierson-trombones; así como, Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza y Hugh McCraken en la sección de ritmo. Bajo la dirección de Mike, esta big band de jazz/rock se convirtió en un laboratorio para la experimentación con varias formas musicales, ideas y filosofías. De 1969 a 1972, el clan WHITE ELEPHANT de los mejores músicos de Nueva York tocó y grabó en estudios de toda la ciudad, y su energía generó muchas direcciones musicales durante las décadas siguientes, incluyendo DREAMS, ARS NOVA, BRECKER BROTHERS, L'IMAGES, etc.

A finales de los años 70, Mike fundó los grupos pioneros de jazz/fusión STEPS AHEAD, entre los que se encontraban las cohortes anteriores Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd y Don Grolnick. Sumergiéndose en sonidos contemporáneos mientras mantiene la experimentación y la integridad compositiva, STEPS AHEAD fue, y es, una plataforma de lanzamiento para jóvenes talentos y nuevas ideas musicales. Los alumnos de STEPS incluyen a Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z., Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Daryl Jones, Mike Stern y Jimi Tunnel. Otras colaboraciones notables han incluido grabaciones con Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell y Jim Hall, entre otros.

Como compositor, arreglista e intérprete, Mike ha contribuido con más de 100 discos de oro y platino. Un participante activo en las escenas de rock y pop, ha trabajado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Staits y Bonnie Raitt. Ha producido álbumes para George Benson y Andy Summers, y STEPS AHEAD Alumni, el saxofonista Norweigan Bendik, y la pianista Rachel Z.

En 1992, Mike aportó su vasta experiencia en la creación de NYC RECORDS. Una extensión de sí mismo, el sello independiente es un vehículo para exponer nuevas ideas basadas en el lenguaje del jazz. Con los sonidos frescos y modernos de Zachary Breaux y Rachel Z; los saxofonistas George Garzone y Myron Walden; la ecléctica y musical cacofonía de la guitarra solista de Philip DeGruy; y los propios proyectos de Mike Mike Mainieri, la serie AN AMERICAN DIARY (Un Diario Americano), con Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez y Peter Erskine, y el siempre en evolución grupo STEPS AHEAD.
https://musicians.allaboutjazz.com/mikemainieri

 

facebook.com/mikemainieri ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

L'Image ‎• 2.0

 

Mike Mainieri & Marnix Busstra Quartet • Trinary Motion

Michael T. Mainieri, Jr. (born July 4, 1938, the Bronx, New York City) is an American vibraphonist best known for his work with the jazz fusion group Steps Ahead.

Mainieri was a pioneer in introducing an electronic vibraphone, known as a "synth-vibe" and has recorded with such musicians as Buddy Rich, Wes Montgomery and Jeremy Steig. He performed for a live album by Laura Nyro, and was featured on several tracks from the Dire Straits album Love Over Gold as well as on "Ride Across the River" on the album Brothers in Arms. He performed on the albums "Heads" by Bob James Heart To Heart by David Sanborn and Tiger in the Rain by Michael Franks. He has also released numerous albums and videos as a leader for a variety of labels, most notably his 1980 album for Warner Bros. entitled Wanderlust, which featured Michael Brecker and other members of Steps Ahead. There is good video footage of Mainieri performing live with David Sanborn, Neil Larsen, Robben Ford, etc. on David Sanborn's Live At Montreux 1984 DVD as part of bonus footage from 1981.

As a producer, he produced three albums for Carly Simon.

Mainieri married singer-songwriter/harpist Dee Carstensen in 1993. They have a daughter, Ruby Anna. Mainieri also has 5 children from previous marriages. Michelle, Maria and Melissa and two sons, Michael and Jonathan.

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Mike Mianieri es un vibrafonista estadounidense de jazz y jazz fusion.

Nacido en una familia de músicos, los estudios musicales de Mike Mainieri comenzaron muy pronto. Con 14 años giraba al frente de su propio trío de jazz al lado de la Orquesta de Paul Whiteman, y con 17 formaba parte del sexteto de Buddy Rich, banda con la que permaneció hasta 1962 y de la que era, además, arreglista. Durante ese período inicial, Mainieri levo a cabo una intensa actividad como músico de estudio, grabando una cierta cantidad de discos pop,1 tocó con figuras tan importantes como Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, Benny Goodman o Wes Montgomery, y recibió, con tan sólo 18 años el Premio Internacional de la Crítica.2

En 1962 se une al grupo de jazz rock Jeremy & The Satyrs, al lado de su líder, el flautista Jeremy Steig y de Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery, o Eddie Gomez. La banda actuaría en el famoso Club Go Go de Nueva York junto a artistas como Frank Zappa o Jimi Hendrix, y acabaría convirtiéndose en el germen del que se constituiría la famosa White Elephant Orchestra, una Big band experimental con miembros tan respetados como George Young, Frank Vacari, Michael Brecker, y Ronny Cuber (as, ts, bs), Barry Rogers y Jon Pierson (tb), Jon Faddis, Lew Soloff, y Randy Brecker (tp) y una sección rítmica de lujo: Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza, y Hugh McCraken. Entre 1969 y 1972 la White Elephant actuó y grabó en los mejores clubs y estudios de Nueva York, influenciando enormemente a bandas seminales del jazz fusion que se originarían a partir de ella, como Dreams, The Brecker Brothers, Ars Nova, L'Images, etc.2

A finales de los 70, Mainieri funda la legendaria banda de jazz fusion Steps Ahead, que se convertiría en una plataforma para jóvenes músicos y por la que pasarían Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd, Don Grolnick, Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z, Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Darryl Jones, Mike Stern, Jimi Tunnel, Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell, o Jim Hall, entre otros muchos.

En 1992 funda su propio sello discográfico, NYC Records, bajo el que graban nuevas figuras como Zachary Breaux, Rachel Z, George Garzone, Myron Walden, o Philip DeGruy, además del nuevo proyecto de Mainieri al lado de músicos como Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez, o Peter Erskine (American Diary) y -como no- su Steps Ahead.

Reconocido principalmente como un gran vibrafonista de jazz, el talento de Mainieri abarca asimismo los campos de la producción, arreglos y composición musical. A través de una exitosa carrera que comprende ya cinco décadas, Mike ha colaborado con las más grandes figuras del jazz, ha registrado un gran número de grabaciones y ha contribuido al descubrimiento de no pocos nuevos talentos.2 El talento de Mainieri y el respeto que impone su trayectoria son aspectos bien conocidos por la crítica.

Como compositor, arreglista y ejecutante, Mike ha contribuido participado en más de 100 álbumes de oro y platino. Una figura conocida más allá del ámbito del jazz, Mainieri ha trabajado, entre otros, con Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Straits o Bonnie Raitt. Además, ha sido el productor de artistas como George Benson, Andy Summers, o los integrantes de Steps Ahead, Bendik o Rachel Z.

Klaus Suonsaari • Something In Common

 

Klaus Suonsaari's concern with sound and balance extend to the ensemble as well. Critic Jon Pareles, writing in the New York Times, stated that ,,Mr. Suonsaari fulfilled one of a bandleader's most important duties: choosing his group members well." Here Klaus has gathered one well-chosen assemblage of top American performers, and another consisting of respected players from his homeland, with the aim of bridging the gap between continents, and revealing the commonality of intent among European and American jazz artists. Klaus succeeds as a leader because of his sense of balance and his ability to find common ground between seemingly different elements. Tradition and originality... the European and American aesthetic... lyric beauty and freewheeling expressionism (,,Song For S.R." is a glorious example)... Klaus always finds ,,something in common" with which to engage the listener. Mike Mainieri appears by courtesy of NYC Records. Niels Lan Doky is currently an exclusive recording artist on EMI/Blue Note.
https://www.storyvillerecords.com/products/something-in-common-stcd4218

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La preocupación de Klaus Suonsaari por el sonido y el equilibrio se extiende también al conjunto. El crítico Jon Pareles, escribiendo en el New York Times, afirmó que "el Sr. Suonsaari cumplió con uno de los deberes más importantes de un director de banda: elegir bien a los miembros de su grupo". En este caso, Klaus ha reunido un conjunto bien elegido de intérpretes estadounidenses de primera fila, y otro formado por respetados músicos de su país, con el objetivo de tender un puente entre continentes, y revelar las intenciones comunes de los artistas de jazz europeos y estadounidenses. Klaus triunfa como líder por su sentido del equilibrio y su capacidad para encontrar un terreno común entre elementos aparentemente diferentes. Tradición y originalidad... la estética europea y americana... la belleza lírica y el expresionismo libre (,,Song For S.R." es un ejemplo glorioso)... Klaus siempre encuentra,,algo en común" con lo que enganchar al oyente. Mike Mainieri aparece por cortesía de NYC Records. Niels Lan Doky es actualmente un artista que graba en exclusiva para EMI/Blue Note.
https://www.storyvillerecords.com/products/something-in-common-stcd4218


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Mike Mainieri • Blues On The Other Side

Michael T. Mainieri, Jr. (born July 4, 1938, the Bronx, New York City) is an American vibraphonist best known for his work with the jazz fusion group Steps Ahead.

Mainieri was a pioneer in introducing an electronic vibraphone, known as a "synth-vibe" and has recorded with such musicians as Buddy Rich, Wes Montgomery and Jeremy Steig. He performed for a live album by Laura Nyro, and was featured on several tracks from the Dire Straits album Love Over Gold as well as on "Ride Across the River" on the album Brothers in Arms. He performed on the albums "Heads" by Bob James Heart To Heart by David Sanborn and Tiger in the Rain by Michael Franks. He has also released numerous albums and videos as a leader for a variety of labels, most notably his 1980 album for Warner Bros. entitled Wanderlust, which featured Michael Brecker and other members of Steps Ahead. There is good video footage of Mainieri performing live with David Sanborn, Neil Larsen, Robben Ford, etc. on David Sanborn's Live At Montreux 1984 DVD as part of bonus footage from 1981.

As a producer, he produced three albums for Carly Simon.

Mainieri married singer-songwriter/harpist Dee Carstensen in 1993. They have a daughter, Ruby Anna. Mainieri also has 5 children from previous marriages. Michelle, Maria and Melissa and two sons, Michael and Jonathan.

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Mike Mianieri es un vibrafonista estadounidense de jazz y jazz fusion.

Nacido en una familia de músicos, los estudios musicales de Mike Mainieri comenzaron muy pronto. Con 14 años giraba al frente de su propio trío de jazz al lado de la Orquesta de Paul Whiteman, y con 17 formaba parte del sexteto de Buddy Rich, banda con la que permaneció hasta 1962 y de la que era, además, arreglista. Durante ese período inicial, Mainieri levo a cabo una intensa actividad como músico de estudio, grabando una cierta cantidad de discos pop,1 tocó con figuras tan importantes como Billie Holiday, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, Benny Goodman o Wes Montgomery, y recibió, con tan sólo 18 años el Premio Internacional de la Crítica.2

En 1962 se une al grupo de jazz rock Jeremy & The Satyrs, al lado de su líder, el flautista Jeremy Steig y de Warren Bernhardt, Donald MacDonald, Adrian Guilery, o Eddie Gomez. La banda actuaría en el famoso Club Go Go de Nueva York junto a artistas como Frank Zappa o Jimi Hendrix, y acabaría convirtiéndose en el germen del que se constituiría la famosa White Elephant Orchestra, una Big band experimental con miembros tan respetados como George Young, Frank Vacari, Michael Brecker, y Ronny Cuber (as, ts, bs), Barry Rogers y Jon Pierson (tb), Jon Faddis, Lew Soloff, y Randy Brecker (tp) y una sección rítmica de lujo: Steve Gadd, Tony Levin, Donald MacDonald, Warren Bernhardt, Joe Beck, David Spinozza, y Hugh McCraken. Entre 1969 y 1972 la White Elephant actuó y grabó en los mejores clubs y estudios de Nueva York, influenciando enormemente a bandas seminales del jazz fusion que se originarían a partir de ella, como Dreams, The Brecker Brothers, Ars Nova, L'Images, etc.2

A finales de los 70, Mainieri funda la legendaria banda de jazz fusion Steps Ahead, que se convertiría en una plataforma para jóvenes músicos y por la que pasarían Michael Brecker, Eddie Gomez, Steve Gadd, Don Grolnick, Peter Erskine, Eliane Elias, Rachel Z, Victor Bailey, Warren Bernhardt, Chuck Loeb, Darryl Jones, Mike Stern, Jimi Tunnel, Joe Henderson, Marcus Miller, Joe Lovano, Larry Coryell, o Jim Hall, entre otros muchos.

En 1992 funda su propio sello discográfico, NYC Records, bajo el que graban nuevas figuras como Zachary Breaux, Rachel Z, George Garzone, Myron Walden, o Philip DeGruy, además del nuevo proyecto de Mainieri al lado de músicos como Joe Lovano, George Garzone, Eddie Gomez, o Peter Erskine (American Diary) y -como no- su Steps Ahead.

Reconocido principalmente como un gran vibrafonista de jazz, el talento de Mainieri abarca asimismo los campos de la producción, arreglos y composición musical. A través de una exitosa carrera que comprende ya cinco décadas, Mike ha colaborado con las más grandes figuras del jazz, ha registrado un gran número de grabaciones y ha contribuido al descubrimiento de no pocos nuevos talentos.2 El talento de Mainieri y el respeto que impone su trayectoria son aspectos bien conocidos por la crítica.

Como compositor, arreglista y ejecutante, Mike ha contribuido participado en más de 100 álbumes de oro y platino. Una figura conocida más allá del ámbito del jazz, Mainieri ha trabajado, entre otros, con Paul Simon, Linda Ronstadt, Aerosmith, Billy Joel, Janis Ian, James Taylor, Dire Straits o Bonnie Raitt. Además, ha sido el productor de artistas como George Benson, Andy Summers, o los integrantes de Steps Ahead, Bendik o Rachel Z.

 

Sonny Stitt • I Keep Comin' Back!

 

Biography:
Edward “Sonny” Stitt was a quintessential saxophonist of the bebop idiom. He was also one of the most prolific saxophonists, recording over 100 records in his lifetime. He was nicknamed the “Lone Wolf” by jazz critic Dan Morgenstern, due to his relentless touring and his devotion to jazz.

Stitt was born in Boston, Massachusetts, and grew up in Saginaw, Michigan. Stitt had a musical background; his father taught music, his brother was a classically trained pianist, and his mother was a piano teacher. His earliest recordings were from 1945, with Stan Getz and Dizzy Gillespie. He had also experienced playing in some swing bands, though he mainly played in bop bands. Stitt featured in Tiny Bradshaw's big band in the early forties.

Stitt played alto saxophone in Billy Eckstine's big band alongside future bop pioneers Dexter Gordon and Gene Ammons from 1945 until 1949, when he started to play tenor saxophone more frequently. Later on, he notably played with Gene Ammons and Bud Powell. Stitt spent time in a Lexington prison between 1948-49 on account of selling narcotics.

Stitt, when playing tenor saxophone, seemed to break free from some of the criticism that he was apeing jazz genius Charlie Parker's style. When alto saxophonist Gene Quill was criticised for playing too similar to Parker once by a jazz writer he retorted, “You try imitating Charlie Parker!” Indeed, Stitt began to develop a far more distinctive sound on tenor. He played with other bop musicians Bud Powell and Eddie “Lockjaw” Davis, a fellow tenor with a distinctly tough tone in comparison to Stitt, in the 1950s and recorded several albums for the burgeoning Prestige Records label as well as for Argo, Verve and Roost. Stitt's playing is said to be at its zenith on these now rare records. Stitt experimented with Afro-Cuban jazz in the late 1950s, and the results can be heard on his recordings for Roost and Verve, on which he teamed up with Thad Jones and Chick Corea for Latin versions of such standards as “Autumn Leaves.”

Stitt joined Miles Davis briefly in 1960, and his sole performance with the 1960 quintet is on the record Live at Stockholm, which featured Wynton Kelly, Jimmy Cobb and Paul Chambers. However, Miles fired him due to the excessive drinking habit he had developed, and replaced him with fellow tenor saxophonist Hank Mobley. Stitt, later in the 1960s paid homage to one of his main influences, Charlie Parker, on the seminal cut “Stitt Plays Bird”, which features Jim Hall on guitar. He recorded a number of memorable records with his friend and fellow saxophonist Gene Ammons. The records recorded by these two saxophonists are regarded by many as some of both Ammons and Stitt's best work, thus the Ammons/Stitt partnership went down in posterity of the best duelling partnerships in jazz, alongside Zoot Sims & Al Cohn, and Johnny Griffin with Eddie “Lockjaw” Davis. Stitt would venture into soul jazz, and he recorded with fellow tenor great Booker Ervin in 1964 on the enjoyable Soul People album. Stitt would also record with Duke Ellington alumnus Paul Gonsalves during the 1960's.

In the 1970s, Stitt slowed his recording output, though not by much and in 1972, he produced another classic, Tune Up, which was and still is regarded by many jazz critics, such as Scott Yanow, as his definitive record. Indeed, his fiery and ebullient soloing was quite reminiscent of his earlier playing. Stitt was one of the first jazz musicians to experiment with an electric saxophone (the instrument was called a Varitone) in the late '60s. Because the device distorted Stitt's glorious, uncluttered, pure yet embodied sound, critics and Stitt followers were relieved when he eventually discarded the gratuitous gadget.

Stitt, to his credit, never slowed down, joining the Giants of Jazz (which included Art Blakey, Dizzy Gillespie and Thelonious Monk) on some albums for the Mercury Records label, and recording sessions for Cobblestone and other labels. His last recordings were made in Japan. Sadly in 1982, Stitt suffered a heart attack, and he died on July 22.

Although his playing was at first heavily inspired by Charlie Parker and Lester Young, Stitt eventually developed his own style, one which influenced John Coltrane. Stitt was especially effective with blues and with ballad pieces such as “Skylark”.
https://musicians.allaboutjazz.com/sonnystitt

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Biografía:
Edward "Sonny" Stitt fue un saxofonista por excelencia del idioma bebop. También fue uno de los saxofonistas más prolíficos, grabando más de 100 discos en su vida. Fue apodado el "Lobo Solitario" por el crítico de jazz Dan Morgenstern, debido a sus implacables giras y su devoción al jazz.

Stitt nació en Boston, Massachusetts, y creció en Saginaw, Michigan. Stitt tenía formación musical; su padre enseñaba música, su hermano era un pianista de formación clásica, y su madre era profesora de piano. Sus primeras grabaciones fueron de 1945, con Stan Getz y Dizzy Gillespie. También había experimentado tocando en algunas bandas de swing, aunque principalmente en bandas de bop. Stitt apareció en la gran banda de Tiny Bradshaw a principios de los años 40.

Stitt tocó el saxofón alto en la big band de Billy Eckstine junto a los futuros pioneros del bop Dexter Gordon y Gene Ammons desde 1945 hasta 1949, cuando empezó a tocar el saxofón tenor con más frecuencia. Más tarde, tocó notablemente con Gene Ammons y Bud Powell. Stitt pasó un tiempo en una prisión de Lexington entre 1948 y 1949 por vender narcóticos.

Stitt, cuando tocaba el saxo tenor, parecía liberarse de algunas de las críticas de que estaba imitando el estilo del genio del jazz Charlie Parker. Cuando un escritor de jazz criticó al saxofonista alto Gene Quill por tocar demasiado parecido a Parker, le respondió: "¡Intenta imitar a Charlie Parker!" De hecho, Stitt comenzó a desarrollar un sonido mucho más distintivo en el tenor. En los años 50 tocó con otros músicos de bop Bud Powell y Eddie "Lockjaw" Davis, un compañero tenor con un tono claramente más duro en comparación con Stitt, y grabó varios álbumes para el floreciente sello Prestige Records, así como para Argo, Verve y Roost. Se dice que la interpretación de Stitt está en su apogeo en estos discos ahora raros. Stitt experimentó con el jazz afrocubano a finales de los 50, y los resultados se pueden escuchar en sus grabaciones para Roost and Verve, en las que se asoció con Thad Jones y Chick Corea para las versiones latinas de estándares como "Autumn Leaves".

Stitt se unió brevemente a Miles Davis en 1960, y su única actuación con el quinteto de 1960 está en el disco Live at Stockholm, en el que participaron Wynton Kelly, Jimmy Cobb y Paul Chambers. Sin embargo, Miles lo despidió debido al excesivo hábito de beber que había desarrollado, y lo reemplazó por su compañero saxofonista tenor Hank Mobley. Stitt, más tarde en los años 60 rindió homenaje a una de sus principales influencias, Charlie Parker, en el corte seminal "Stitt Plays Bird", en el que aparece Jim Hall en la guitarra. Grabó varios discos memorables con su amigo y compañero saxofonista Gene Ammons. Los discos grabados por estos dos saxofonistas son considerados por muchos como algunos de los mejores trabajos de Ammons y Stitt, por lo que la asociación Ammons/Stitt pasó a la posteridad de las mejores asociaciones de dúo en el jazz, junto con Zoot Sims & Al Cohn, y Johnny Griffin con Eddie "Lockjaw" Davis. Stitt se aventuraría en el jazz soul, y grabó con su compañero tenor, el gran Booker Ervin, en 1964 en el agradable álbum Soul People. Stitt también grabaría con el ex-alumno de Duke Ellington Paul Gonsalves durante los años 60.

En el decenio de 1970, Stitt redujo su producción discográfica, aunque no por mucho y en 1972 produjo otro clásico, Tune Up, que fue y sigue siendo considerado por muchos críticos de jazz, como Scott Yanow, como su disco definitivo. De hecho, su ardiente y exuberante solitario era bastante parecido a su anterior trabajo. Stitt fue uno de los primeros músicos de jazz que experimentó con un saxofón eléctrico (el instrumento se llamaba Varitone) a finales de los 60. Debido a que el dispositivo distorsionaba el glorioso, despejado y puro pero encarnado sonido de Stitt, los críticos y los seguidores de Stitt se sintieron aliviados cuando finalmente desechó el aparato gratuito.

Stitt, a su favor, nunca se detuvo, uniéndose a los Gigantes del Jazz (que incluían a Art Blakey, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk) en algunos álbumes para el sello Mercury Records, y sesiones de grabación para Cobblestone y otros sellos. Sus últimas grabaciones se hicieron en Japón. Tristemente en 1982, Stitt sufrió un ataque al corazón, y murió el 22 de julio.

Aunque al principio su forma de tocar se inspiró mucho en Charlie Parker y Lester Young, Stitt desarrolló su propio estilo, que influyó en John Coltrane. Stitt fue especialmente efectivo con el blues y con piezas de balada como "Skylark".
https://musicians.allaboutjazz.com/sonnystitt

www.sonnystitt.com ...  

Steve Khan • The Collection

 

 

Biography
by Matt Collar
Guitarist Steve Khan is a gifted jazz-based performer whose adept skills have found him working with his own groups and as an in-demand session artist. Born in Los Angeles in 1947, Khan grew up in a musical family, the son of famed lyricist Sammy Cahn. Initially, he studied drums and piano in his adolescence before settling on the guitar around age 20. He honed his skills while attending U.C.L.A., after which he moved to New York City and quickly found work in variety of jazz, pop, and R&B settings. During this period he shared the stage with such luminaries as Maynard Ferguson, Buddy Rich, the Brecker Brothers, Joe Zawinul's Weather Update, and others.

As a recording artist, Khan made his debut alongside fellow guitarist Larry Coryell on 1976's Two for the Road. He then delivered several well-received albums for Columbia, including 1977's Tightrope, 1978's The Blue Man, and 1979's Arrows. Also during this period, he found session work appearing on albums by Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan, and Billy Joel. In 1980, he delivered the Thelonious Monk-themed Evidence. A year later, he formed the fusion quartet Eyewitness, which continued to work throughout the 1980s. Several more well-regarded albums followed in the '90s, including 1992's Headline, 1994's Crossings, and 1997's Got My Mental with John Patitucci and Jack DeJohnette.

He then joined the Caribbean Jazz Project for 2000's New Horizons and 2001's Paraiso. Khan returned to his solo work in 2006, reuniting with DeJohnette and Patitucci for The Green Field, followed by 2007's Borrowed Time. He then brought along fellow Eyewitness alums Anthony Jackson, Dennis Chambers, and Manolo Badrena for 2011's Parting Shot, followed in 2014 by the salsa-infused Subtext. In 2016 he released Backlog, which featured guest spots from longtime associates like Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri, and others.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography

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Biografía
por Matt Collar
El guitarrista Steve Khan es un talentoso intérprete de jazz cuyas habilidades adeptas lo han encontrado trabajando con sus propios grupos y como un artista de sesión en demanda. Nacido en Los Ángeles en 1947, Khan creció en una familia musical, hijo del famoso letrista Sammy Cahn. Inicialmente, estudió batería y piano en su adolescencia antes de decidirse por la guitarra alrededor de los 20 años. Perfeccionó sus habilidades mientras asistía a la UCLA, después de lo cual se mudó a la ciudad de Nueva York y rápidamente encontró trabajo en una variedad de escenarios de jazz, pop y R&B. Durante este período, compartió el escenario con luminarias como Maynard Ferguson, Buddy Rich, The Brecker Brothers, Weather Update de Joe Zawinul y otros.

Como artista de grabación, Khan hizo su debut junto al guitarrista Larry Coryell en Two for the Road de 1976. Luego entregó varios álbumes bien recibidos para Columbia, incluidos Tightrope de 1977, The Blue Man de 1978 y Arrows de 1979. También durante este período, encontró trabajo de sesión que aparecía en álbumes de Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan y Billy Joel. En 1980, entregó la Evidencia temática de Thelonious Monk. Un año después, formó el cuarteto de fusión Eyewitness, que continuó trabajando durante la década de 1980. Varios álbumes más bien considerados siguieron en los años 90, incluyendo Headline de 1992, Crossings de 1994 y Got My Mental de 1997 con John Patitucci y Jack DeJohnette.

Luego se unió al Proyecto de Jazz Caribeño para New Horizons del 2000 y Paraíso del 2001. Khan regresó a su trabajo en solitario en 2006, reuniéndose con DeJohnette y Patitucci para The Green Field, seguido de Borrowed Time de 2007. Luego trajo a sus compañeros de Eyewitness, Anthony Jackson, Dennis Chambers y Manolo Badrena para la Foto de despedida de 2011, seguida en 2014 por el Subtexto con salsa. En 2016 lanzó Backlog, que contó con anuncios invitados de asociados de toda la vida como Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri y otros.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography

www.stevekhan.com ...